20 coisas que você não sabia sobre arte pop

O advento do movimento Pop Art nos anos 50 não impressionou apenas os ricos; mudou a cultura. Tão icônicos e profundos foram as inspirações e significados por trás desse movimento que ele ainda é apresentado, estudado e produzido até hoje.

Neste artigo, compartilhamos um pouco da história e detalhes que cercam o surgimento da Pop Art, além de chamar a atenção para algumas das peças mais interessantes que o movimento produziu ao longo dos anos. Se você nunca foi exposto à arte pop antes, esteja avisado: as influências da arte pop podem se infiltrar em seus próximos designs.

1. A Pop Art é um dos movimentos artísticos mais “populares” da Era Moderna. O movimento pop art começou como uma rebelião contra os expressionistas abstratos, considerados pretensiosos e excessivamente intensos.

Ouro Marilyn Monroe (1962)

2. A Pop Art é uma forma de arte que reflete um retorno às realidades materiais da vida cotidiana das pessoas. Na verdade, significa o retorno à cultura popular, daí o nome “pop”. Esta arte deriva seu estilo das atividades visuais e prazeres das pessoas: televisão, revistas e quadrinhos.

O início do movimento pop art

3. O “local de nascimento” do movimento Pop Art foi a Grã-Bretanha em meados da década de 1950, mas estava presente nos Estados Unidos no final da década de 1950. O objetivo foi desafiar a tradição e assumiu que os elementos visuais da mídia de massa da cultura popular podem ser considerados arte.

4. A arte pop baseia-se em extrair material de seu contexto e isolá-lo ou associá-lo a outros assuntos para contemplação.

Viki (1964) – Roy Lichtenstein

5. A Pop Art coincidiu com o fenómeno da música pop dos anos 50 e 60 e está altamente associada à imagem swinging e fashion de Londres. Por exemplo, Peter Blake criou os designs de capa para os Beatles e Elvis Presley.

Mais do que isso, ele incluiu atrizes como Brigitte Bardot em seus trabalhos, semelhante à forma como Andy Warhol usou Marilyn Monroe como modelo.

Arte pop britânica x arte pop americana

6. Em comparação com a pop inglesa, mais referencial e subjetiva, a pop art americana foi considerada emblemática, anônima e agressiva. O conceito principal que os artistas pop ingleses consideravam era tema ou metáfora.

Por outro lado, o lema de Andy Warhol era “Acho que todo mundo deveria ser uma máquina”. Como resultado, ele tentou fazer sua arte parecer que foi criada por uma máquina.

Jackie (1964) – Andy Warhol

7. The Independent Group (IG) surgiu em Londres em 1952. É considerado pela maioria como o precursor do movimento pop art. Durante o primeiro encontro do IG, Eduardo Paolozzi, artista e escultor cofundador do grupo, apresentou uma série de colagens chamada Bunk! Ele os criou em Paris entre 1947 – 1949.

Essas colagens eram compostas por objetos “encontrados” como publicidade, personagens de quadrinhos, capas de revistas e outras obras gráficas produzidas em massa que representavam a cultura americana. A primeira obra de arte a incluir a palavra “pop” foi uma colagem que Paolozzi chamou de I was a Rich Man's Plaything (1947) – na qual apareceu uma nuvem de fumaça saindo de um revólver no qual a palavra “pop” estava escrita.

Eu era o brinquedo de um homem rico (1947) – Eduardo Paolozzi

A Melodia Caça Meu Devaneio - Roy Lichtenstein

8. Artistas pop dos Estados Unidos costumavam duplicar, reproduzir, sobrepor, combinar e organizar infinitos elementos visuais que representavam a sociedade e a cultura americanas. Andy Warhol, um dos mais famosos artistas pop americanos, tinha um interesse real por estrelas de cinema. Em 1962 sua paixão refletiu em suas obras retratando Marilyn Monroe.

9. Andy Warhol resumiu o movimento pop e o papel da mídia nesta famosa citação “No futuro, todos serão famosos por quinze minutos”. Hollywood, revistas, televisão e jornais estão produzindo diariamente novas imagens, ampliando a cultura popular. Tudo o que nos cerca são imagens prontas para serem consumidas.

Características da arte pop

10. O movimento Pop art é definido por temas e técnicas extraídas da cultura popular de massa. Áreas como publicidade, objetos culturais mundanos e histórias em quadrinhos. Este movimento artístico é considerado uma reação às ideias do expressionismo abstrato. A Pop Art empregou imagens da cultura popular na arte, enfatizando elementos banais de qualquer cultura, geralmente através do uso da ironia.

Figuras na paisagem (1977) – Roy Lichtenstein

11. As cores predominantes utilizadas pelos artistas da Pop Art são amarelo, vermelho e azul. As cores usadas eram vivas. Em contraste com outros movimentos artísticos, as cores da arte pop não refletem a sensação interior do mundo dos artistas. Em vez disso, essas cores remetem à cultura popular. A cultura que inspirou o artista americano Andy Warhol a experimentar técnicas como a serigrafia, que era uma técnica amplamente popular usada para produção em massa.

12. Roy Lichtenstein desenvolveu um estilo baseado no vernáculo visual da história em quadrinhos. As principais características desse estilo eram cores fortes, contornos pretos e tons renderizados por pontos Ben-day. Esses eram os métodos de impressão de tons em histórias em quadrinhos durante os anos 1950 e 1960.

13. As características das obras de arte pop eram linhas claras e representações de símbolos, pessoas e objetos encontrados na cultura popular e pinturas nítidas. O movimento Pop Art substituiu os elementos destrutivos, satíricos e anárquicos do movimento Dada (um movimento concentrado na política anti-guerra e rejeitando os padrões prevalecentes na arte criando obras culturais anti-arte) por ter uma reverência ao consumismo e à cultura de massa.

Apenas O que torna a casa de hoje tão diferente, tão atraente? (1956) – Richard Hamilton

14. Durante o movimento da pop art, os artistas gostavam de satirizar objetos ampliando esses objetos em proporções massivas. A comida era um tema comum no movimento pop, assim como objetos domésticos, como cadeiras e vasos sanitários feitos de plástico mole, em vez de quaisquer materiais de que geralmente são feitos. Por exemplo, o Soft Toilet de Claes Oldenburg.

Arte pop em design de embalagem

15. Durante o movimento Pop Art, você podia ver logotipos e rótulos de produtos dentro de imagens escolhidas por artistas pop. Os rótulos Campbell's Soup Cans de Andy Warhol, por exemplo. Além disso, a rotulagem encontrada na placa de embarque que continha itens de varejo foi usada como inspiração para a arte pop. Tomemos, por exemplo, a caixa de suco de tomate de Campbell ou a escultura Brillo Soap Box, ambas de Andy Warhol.

Sopa Campbell (1968) - Andy Warhol

Caixa de suco de tomate Campbell (1964) - Andy Warhol

A Influência da Pop Art no Design Gráfico Contemporâneo

16. O co-proprietário da Pop International Galleries em Nova York, Jeff Jaffe disse que “a pop art está mais forte do que nunca”. É claro que negociantes de arte, colecionadores, editores e casas de leilões concordam com ele. Todos eles apontam alguns dos maiores nomes da arte atual: Clemens Briels, Romero Britto, James Rizzi e Steve Kaufman, entre outros, que trabalham no estilo pop e costumam ter muito sucesso no mercado de arte.

A arte é uma expressão do que acontece em cada sociedade. Na Inglaterra dos anos 1950 e nos EUA dos anos 60, a arte era um caos de publicidade, consumo, televisão, quadrinhos e moda. Podemos dizer que a arte se reinventou mais do que nunca no movimento pop art. Tanto influenciou nossa cultura que a arte pop ainda é muito apreciada hoje.

E-620 Vespa GS – Oscar Spanner

A Pop Art continua sendo aclamada como um sucesso até hoje, quer se trate de peças originais vendidas por muito dinheiro ou impressões vendidas em grande número. Ficou claro que a arte pop era muito mais do que apenas uma afirmação, e é difícil ignorá-la. Você pode vê-lo onde quer que vá. Está em locais públicos e até na publicidade, como foi usado inicialmente na década de 1950.

17. Como o próprio nome indica, a Pop Art é bastante popular. Julie Maner, diretora de negócios da Museum Editions em Nova York, disse que “toda a arte atrai as pessoas em um nível emocional, mas a arte pop é vivenciada em um nível experiencial. Vem do nosso dia a dia.”

Com essa afirmação, Maner se refere à série “Pop Dog” – criada pela artista Gloria Lee. “Pop Dogs” apresenta 25 raças diferentes de cães criadas, é claro, em cores elétricas Pop. Esse tipo de estampa Pop Art é exibida na vitrine das lojas de arte simplesmente por seu colorido e capricho.

18. Os recursos de Pop Art ainda são usados ​​hoje em design de impressão, para criar cartões de aniversário coloridos, designs de camisetas, crachás, calendários, pôsteres, telas – por isso é realmente difícil de ignorar. As características desse movimento artístico, principalmente as cores vivas e os pontos, nunca se desvaneceram. Esta forma de arte popular continua a fascinar a cultura até hoje.

19. Algumas pessoas podem achar curioso como a Pop Art tem uma presença tão forte, mesmo 47 anos depois de ter surgido. A resposta é que a Pop Art reuniu um grande número de adeptos ao longo dos anos, e acabou sendo um grande investimento. Outras pessoas apenas disseram que a moda tem seus períodos em que volta a alguns dos primeiros anos, e foi o que aconteceu com a Pop Art. Há uma hipótese de que voltou como uma necessidade de os americanos serem confortados por coisas familiares.

Julie Maner afirma que a arte no gênero pop está sempre mudando. Ele acompanha a sociedade e os tempos de uma forma que outras formas de arte não. Ruth-Ann, da Crown Thorn Publishing, disse que o melhor da Pop Art é que ela é transcultural. Não é fazer uma declaração política e é uma das melhores formas de arte para quem pode se sentir intimidado pela arte. A guerra, os protestos contra a guerra, as ameaças de ataques e o medo de bombas nucleares são tão reais hoje quanto eram na década de 1950.

20. A Pop Art ainda é uma inspiração para os artistas de hoje. Muitas características do movimento pop art podem ser reconhecidas nas obras de hoje, seja em web design, design gráfico ou outras áreas criativas. Sem dúvida, as obras de Andy Warhol e Roy Lichtenstein estão entre as mais admiradas e inspiraram muitas obras contemporâneas.

Hoje, designers criam estampas legais, ilustrações digitais, pôsteres – e assim por diante – com recursos como múltiplas cores fortes, imagens pontilhadas, séries de imagens com uma impressão, utilitários domésticos como televisão, rádio, câmera e rostos de pessoas famosas. (Veja as estampas de design gráfico de Obama e outros).