20 rzeczy, których nie wiedziałeś o pop-artu

Pojawienie się ruchu Pop Art w latach 50-tych nie tylko zaimponowało bogatym; zmieniło kulturę. Inspiracje i znaczenia stojące za tym ruchem były tak ikoniczne i głębokie, że do dziś jest on przedstawiany, badany i produkowany.

W tym artykule dzielimy się historią i szczegółami związanymi z powstaniem Pop Artu, a także zwracamy uwagę na niektóre z ciekawszych dzieł, które ruch wyprodukował na przestrzeni lat. Jeśli nigdy wcześniej nie byłeś narażony na pop-art, ostrzegaj: wpływy pop-artu mogą wkraść się do twoich następnych kilku projektów.

1. Pop Art to jeden z najbardziej „popularnych” ruchów artystycznych ery nowożytnej. Ruch pop-artu rozpoczął się od buntu przeciwko abstrakcyjnym ekspresjonistom, których uważano za pretensjonalnych i zbyt intensywnych.

Złota Marilyn Monroe (1962)

2. Pop Art to forma sztuki, która odzwierciedla powrót do materialnych realiów codziennego życia ludzi. W rzeczywistości oznacza powrót do kultury popularnej, stąd nazwa „pop”. Sztuka ta wywodzi swój styl z działań wizualnych i przyjemności ludzi: telewizji, czasopism i komiksów.

Początek ruchu pop-artu

3. „Miejscem narodzin” ruchu Pop Art była Wielka Brytania w połowie lat pięćdziesiątych, ale w Stanach Zjednoczonych był obecny pod koniec lat pięćdziesiątych. Celem było zakwestionowanie tradycji i założenie, że wizualne elementy mass-mediów z kultury popularnej można uznać za sztukę piękną.

4. Pop-art polega na wydobywaniu materiału z kontekstu i izolowaniu go lub kojarzeniu z innymi tematami do kontemplacji.

Viki (1964) – Roy Lichtenstein

5. Pop Art zbiegł się z fenomenem muzyki pop lat 50. i 60. i jest mocno kojarzony ze swingującym i modnym wizerunkiem Londynu. Na przykład Peter Blake stworzył projekty okładek dla The Beatles i Elvisa Presleya.

Co więcej, w swoich pracach uwzględnił aktorki takie jak Brigitte Bardot, podobnie jak Andy Warhol wykorzystał Marilyn Monroe jako modelkę.

Brytyjski pop-art kontra amerykański pop-art

6. W porównaniu do angielskiego popu, który był bardziej referencyjny i subiektywny, amerykański pop-art był uważany za emblematyczny, anonimowy i agresywny. Główną koncepcją rozważaną przez angielskich artystów popu był temat lub metafora.

Z drugiej strony motto Andy'ego Warhola brzmiało: „Myślę, że każdy powinien być maszyną”. W rezultacie starał się, aby jego sztuka wyglądała tak, jakby została stworzona przez maszynę.

Jackie (1964) – Andy Warhol

7. The Independent Group (IG) pojawiła się w Londynie w 1952 roku. Przez większość uważana jest za prekursora ruchu pop-artu. Podczas pierwszego spotkania IG, Eduardo Paolozzi, artysta i rzeźbiarz, który był współzałożycielem grupy, przedstawił serię kolaży o nazwie Bunk! Tworzył je w Paryżu w latach 1947 – 1949.

Kolaże te składały się z „znalezionych” obiektów, takich jak reklamy, postacie z komiksów, okładki magazynów i inne masowo produkowane prace graficzne reprezentujące kulturę amerykańską. Pierwszym dziełem sztuki, które faktycznie zawierało słowo „pop”, był kolaż Paolozziego zatytułowany „Byłem zabawką bogacza” (1947) – w którym pojawiła się chmura dymu wydobywająca się z rewolweru, na którym napisano słowo „pop”.

Byłem zabawką bogacza (1947) – Eduardo Paolozzi

Melodia poluje na moją zadumę — Roy Lichtenstein

8. Artyści pop ze Stanów Zjednoczonych powielali, reprodukowali, nakładali, łączyli i aranżowali niekończące się elementy wizualne reprezentujące społeczeństwo i kulturę amerykańską. Andy Warhol, jeden z najsłynniejszych amerykańskich artystów popu, naprawdę interesował się gwiazdami filmowymi. W 1962 jego pasja znalazła odzwierciedlenie w pracach portretujących Marilyn Monroe.

9. Andy Warhol podsumował ruch popowy i rolę mediów w tym słynnym cytacie „W przyszłości wszyscy będą sławni przez piętnaście minut”. Hollywood, magazyny, telewizja i gazety codziennie produkują nowe obrazy, poszerzając kulturę popularną. Wszystko, co nas otacza, to obrazy gotowe do spożycia.

Charakterystyka Pop Artu

10. Ruch pop-artu określają tematy i techniki zaczerpnięte z popularnej kultury masowej. Dziedziny takie jak reklama, przyziemne obiekty kultury i komiksy. Ten ruch artystyczny jest uważany za reakcję na idee abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Pop Art wykorzystywał w sztuce obrazy kultury popularnej, podkreślając banalne elementy każdej kultury, zazwyczaj za pomocą ironii.

Postacie w krajobrazie (1977) – Roy Lichtenstein

11. Dominujące kolory używane przez artystów Pop Art to żółty, czerwony i niebieski. Użyte kolory były żywe. W przeciwieństwie do innych ruchów artystycznych, kolory pop-artu nie odzwierciedlają wewnętrznego odczuwania świata przez artystów. Zamiast tego kolory te nawiązują do kultury popularnej. Kultura, która zainspirowała amerykańskiego artystę Andy'ego Warhola do eksperymentowania z technikami takimi jak sitodruk, który był szeroko popularną techniką stosowaną do masowej produkcji.

12. Roy Lichtenstein opracował styl oparty na wizualnym języku narodowym komiksu. Głównymi cechami tego stylu były odważne kolory, czarne kontury i tony renderowane przez kropki Ben-day. Były to metody drukowania tonów w komiksach w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych.

13. Charakterystyczne dla dzieł sztuki pop-artu były wyraźne linie i przedstawienia symboli, ludzi i przedmiotów występujących w kulturze popularnej oraz ostre malowanie. Ruch Pop Art zastąpił destrukcyjne, satyryczne i anarchiczne elementy ruchu dadaistycznego (ruchu skoncentrowanego na polityce antywojennej i odrzucającej panujące w sztuce standardy poprzez tworzenie antyartystycznych dzieł kultury) szacunkiem dla konsumpcjonizmu i kultury masowej.

Tylko co sprawia, że ​​dzisiejszy dom jest tak inny, tak atrakcyjny? (1956) - Richard Hamilton

14. Podczas ruchu pop-art artyści lubili satyryzować przedmioty, powiększając je do ogromnych rozmiarów. Jedzenie było powszechnym tematem w ruchu pop, podobnie jak przedmioty gospodarstwa domowego, takie jak krzesła i toalety, wykonane z miękkiego plastiku zamiast materiałów, z których zwykle są wykonane. Na przykład Miękka toaleta Claesa Oldenburga.

Pop Art w projektowaniu opakowań

15. Podczas ruchu Pop Art można było zobaczyć logo i etykiety produktów w obrazach wybranych przez artystów pop. Na przykład etykiety Campbell's Soup Cans Andy'ego Warhola. Co więcej, etykieta znaleziona na tablicy wysyłkowej, która zawierała artykuły detaliczne, została wykorzystana jako inspiracja dla pop-artu. Weźmy na przykład pudełko na sok pomidorowy Campbella lub rzeźbę Brillo Soap Box, oba autorstwa Andy'ego Warhola.

Zupa Campbella (1968) - Andy Warhol

Pudełko na sok pomidorowy Campbella (1964) - Andy Warhol

Wpływ pop-artu we współczesnej grafice

16. Współwłaściciel Pop International Galleries w Nowym Jorku, Jeff Jaffe powiedział, że “Pop Art jest silniejszy niż kiedykolwiek.” Oczywiście zgadzają się z nim handlarze dziełami sztuki, kolekcjonerzy, wydawcy i domy aukcyjne. Wszyscy oni wskazują jedne z największych nazwisk w dzisiejszej sztuce: Clemens Briels, Romero Britto, James Rizzi i Steve Kaufman, między innymi, którzy pracują w stylu pop i zazwyczaj odnoszą duże sukcesy na rynku sztuki.

Sztuka jest wyrazem tego, co dzieje się w każdym społeczeństwie. W Anglii lat 50. i USA lat 60. sztuka była chaosem reklamy, konsumpcji, telewizji, komiksu i mody. Można powiedzieć, że sztuka zmieniła się bardziej niż kiedykolwiek w ruchu pop-artu. Tak bardzo wpłynęło to na naszą kulturę, że pop-art jest nadal wysoko ceniony.

E-620 Vespa GS – Oscar Klucz

Pop Art do dziś jest okrzyknięty sukcesem, niezależnie od tego, czy mówimy o oryginalnych dziełach sprzedawanych za duże pieniądze, czy o drukach sprzedawanych w ogromnych ilościach. Stało się jasne, że pop-art to coś więcej niż tylko deklaracja i trudno to zignorować. Możesz to zobaczyć, gdziekolwiek jesteś. Znajduje się w miejscach publicznych, a nawet w reklamach, jak to było początkowo używane w latach pięćdziesiątych.

17. Jak sama nazwa wskazuje, Pop Art jest dość popularny. Julie Maner, dyrektor ds. biznesowych w Museum Editions w Nowym Jorku, powiedziała, że ​​„cała sztuka przemawia do ludzi na poziomie emocjonalnym, ale pop-art jest doświadczany na poziomie empirycznym. Pochodzi z naszego codziennego życia”.

Swoim stwierdzeniem Maner nawiązuje do serii „Pop Dog” – stworzonej przez artystkę Glorię Lee. „Pop Dogs” zawiera 25 różnych ras psów stworzonych oczywiście w elektrycznych popowych kolorach. Ten rodzaj nadruku w stylu Pop Art jest wyświetlany w witrynach sklepów artystycznych po prostu ze względu na ich kolorowość i fantazję.

18. Cechy pop-artu są nadal używane w projektowaniu druków, do tworzenia kolorowych kartek urodzinowych, projektów koszulek, odznak, kalendarzy, plakatów, płótna – więc naprawdę trudno to zignorować. Cechy charakterystyczne tego ruchu artystycznego, zwłaszcza jaskrawe kolory i kropki, nigdy nie wyblakły. Ta popularna forma sztuki do dziś fascynuje kulturę.

19. Niektórzy ludzie mogą się zaciekawić, w jaki sposób Pop Art ma tak silną obecność, nawet 47 lat po tym, jak się pojawił. Odpowiedź jest taka, że ​​Pop Art przez lata zgromadził wielu zwolenników i okazał się świetną inwestycją. Inni po prostu mówili, że moda ma swoje okresy, kiedy wraca do wczesnych lat, i tak właśnie stało się z Pop Artem. Istnieje hipoteza, że ​​wróciło to z potrzeby pocieszania Amerykanów znajomymi rzeczami.

Julie Maner twierdzi, że sztuka w gatunku pop ciągle się zmienia. Nadąża za społeczeństwem i czasem w sposób, w jaki nie nadążają inne formy sztuki. Ruth-Ann z Crown Thorn Publishing powiedziała, że ​​wielką zaletą Pop Artu jest to, że jest międzykulturowy. Nie jest to deklaracja polityczna i jest to jedna z najlepszych form sztuki dla każdego, kogo sztuka może onieśmielić. Wojna, protesty antywojenne, groźby ataków i strach przed bombami atomowymi są dziś tak samo realne, jak w latach 50. XX wieku.

20. Pop Art do dziś stanowi inspirację dla artystów. Wiele cech ruchu pop-art można rozpoznać we współczesnych pracach, niezależnie od tego, czy mówimy o projektowaniu stron internetowych, projektowaniu graficznym, czy innych dziedzinach twórczych. Bez wątpienia prace Andy'ego Warhola i Roya Lichtensteina należą do najbardziej podziwianych i zainspirowały wiele współczesnych dzieł sztuki.

Obecnie projektanci tworzą fajne odbitki, ilustracje cyfrowe, plakaty – i tak dalej – z takimi funkcjami, jak mocne wielokolorowe, kropkowane obrazy, serie obrazów z jednym nadrukiem, narzędzia domowe, takie jak telewizja, radio, aparat fotograficzny i twarze sławnych osób. (Zobacz grafiki z projektami graficznymi Obamy i innych).