사이키델릭 디자인 이해하기

사이키델릭(psychedelic)이라는 단어는 "Psyche"와 "Delos"의 합성어로 "영혼의 현현" 또는 "마음의 현현"을 의미합니다. 사이키델릭 디자인은 1960년대로 거슬러 올라갑니다. 1960년대는 흐릿하지만 예술적 형광을 위한 찬란한 시기였습니다. 오늘날에도 상업 작업에 자주 사용되는 사이키델릭한 디자인을 볼 수 있습니다. 그러나 사이키델릭한 디자인 컨셉은 대부분의 사람들이 잊고 있는 본래의 역사를 잃어가고 있는 것 같다.

사이키델릭 디자인의 역사는 전 세계적으로 방대하고 널리 퍼져 있습니다. 그것은 1960년대와 1970년대 사이에 10년 동안 수천 개의 국경을 넘어 그래픽 아트를 지배했습니다. 사이키델릭 디자인의 역사는 80년 전으로 거슬러 올라갑니다. 사이키델릭 디자인의 역사를 살펴보겠습니다.

사이키델릭한 디자인과 예술에는 놀라운 주제, 나선형 패턴, 밝은 색상, 만화경 및 그루비한 타이포그래피가 포함된 극단적인 세부 사항이 있습니다. 이러한 모든 요소는 아르누보, 비엔나 분리, 초현실주의와 같은 사이키델릭 디자인을 선행하는 여러 예술 운동에 존재합니다. 여기에는 우연의 일치가 없습니다. 이 순간들은 사이키델릭 세대가 예술을 공부할 때 큰 영향을 미쳤습니다.

1. 환각 디자인과 아르누보:

1. 아르누보란?

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1800년대 후반에 전력, 전화 및 자동차와 관련된 새로운 기술은 세상이 작동하는 방식과 모습에 혁명을 일으켰습니다. 이 기술 혁명을 겪고 있는 일부 사람들, 특히 예술가들은 이러한 모든 새로운 발전을 반드시 좋아하지는 않았습니다. 이것은 Art Nouveau라고 불리는 새로운 글로벌 예술 운동의 출현으로 이어진 갈등으로 이어졌습니다. 아르누보는 프랑스어로 '새로운 예술'을 의미합니다. 이 운동의 이면에 있는 아이디어와 영감은 도시 생활의 활력을 반영하는 예술을 만드는 것이었습니다. 이를 위해 그들은 평평하고 장식적인 패턴, 유기 및 식물 모티브, 여성스러운 인물을 사용하기 시작했습니다. 그것은 종종 유동적인 추상적인 형태로 양식화될 것입니다. 이 운동은 건축에서 회화, 직물 및 기타 여러 분야에 이르기까지 거의 모든 곳에서 사용되는 시각적 언어를 만들었습니다.

Art Nouveau의 이데올로기는 미학과 실용성이 함께 가야 한다고 규정했습니다. 그들은 또한 어떤 물건도 아름답게 디자인되기에 너무 평범한 것은 없다고 믿었습니다. 비스킷이나 샴페인과 같은 기본적인 것의 광고조차도 아름답게 묘사될 것입니다. 아이디어는 광고를 최대한 아름답게 만드는 동시에 정보를 제공하는 것이었습니다.

2. 아르누보와 사이키델릭 디자인의 대조와 유사성:

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1960년대의 사이키델릭 시대로 돌아가보면 아르누보에 영감을 준 1800년대와 같은 문화적 격변의 시기이기도 하다. 미국에 대해 이야기하자면 이러한 변화의 진원지는 샌프란시스코였습니다. 샌프란시스코로 내려온 수백, 수천 명의 젊은이들이 드럼 서클과 콘서트 형태로 시위를 위해 도시로 내려왔습니다. 1960년대에는 많은 콘서트가 있었습니다. 대부분은 Jefferson Airplane 및 Grateful Dead와 같은 사이키델릭 밴드가 출연하는 댄스 콘서트였습니다. 또한 더 많은 사람들이 콘서트에 오게 할 수 있는 확실한 방법이 하나 있었습니다. 바로 좋은 포스터를 만드는 것입니다. 1960년대에 이 상징적인 밴드는 Avalon 및 Fillmore와 같은 중요한 장소에서 연속적으로 쇼를 재생하면서 막 시작했습니다.

따라서 이 새로운 세대의 히피 밴드를 광고하기 위해 공연장은 평범한 서체와 그레이스케일 사진을 사용하는 것만으로는 충분하지 않다는 것을 빠르게 이해했습니다. 따라서 공연장은 소그룹 예술가들에게 작업을 의뢰하기 시작했습니다. 이 소그룹 아티스트들은 콘서트 포스터에 대한 새로운 공식을 생각해 냈습니다. 그것은 초현실주의, 만화, 아르누보와 같은 다양한 예술 운동의 영향을 받았습니다.

3. 사이키델릭 디자인은 아르누보에서 무엇을 얻었습니까?

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아르누보 운동이 1960년대 중반에 이르자 다시 부활하기 시작했습니다. 특히 텍스타일의 경우 다이내믹한 플라워 디자인이 히피의 미학과 잘 어울리는 내추럴한 핏을 연출했다. 1960년대의 일부 현대 예술가들은 아르누보의 예술 작품을 기반으로 그들과 반향을 일으킨 아르누보 샘플 중 일부를 가져와 다이얼을 돌렸습니다. 아르누보는 여성적인 인물, 가장 자주 누드와 흐르는 머리카락 및 기타 그러한 특성으로 인기를 얻었습니다.

이것은 사이키델릭한 디자이너들에게 반향을 일으킨 스타일이었고 그들은 그것을 골랐습니다. 대부분의 사이키델릭 포스터는 본질적인 상세한 2차원 일러스트레이션으로 가장자리를 덮는 방식으로 디자인됩니다. 사이키델릭한 디자인에서 많은 꽃과 추상적인 곡선을 볼 수 있습니다. 사이키델릭한 디자이너 중 일부는 아르누보 포스터에서 직접 가져온 이미지도 사용했습니다. 그러나 그들은 색상 팔레트를 근본적으로 변경했습니다. 샌프란시스코의 음악이 전 세계에 퍼짐에 따라 그들의 미학도 퍼졌습니다. 그러한 사이키델릭한 디자인 뒤에 있는 예술가들은 명성을 얻었습니다. 진동하는 색상과 구불구불한 선으로 만든 포스터는 1960년대의 에너지를 포착했습니다.

4. 사이키델릭 디자인의 특징:

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1. 색상 팔레트: 아르누보 디자이너는 부드러운 파스텔을 사용했지만 사이키델릭 예술가는 고대비와 강렬한 색상을 선호했습니다. LSD 트리퍼의 시각적 경험을 정의하는 용어인 이러한 색상이 보는 사람의 눈을 '진동'하게 만든다고 합니다.
2. 타이포그래피: 사이키델릭 디자인은 디자인에 타이포그래피를 가장 갑작스럽고 혁신적인 방식으로 사용합니다. 흐리고 곱슬거리며 거의 읽을 수 없는 글꼴을 사용합니다. 이러한 글꼴을 사용하는 개념은 호주 디자이너 Alfred Roller가 디자인한 1902년 포스터에서 처음 시작되었습니다. 60년대에 예술가들은 이 대담하고 역동적인 서체를 채택하여 새로운 극단으로 밀어붙였습니다. 그들은 선을 부드럽게하고 가장자리를 흐리게하여 거의 읽을 수 없게 만들었습니다. 이 디자인 트렌드는 의도적으로 거의 읽을 수 없는 타이포그래피를 원했습니다. 목적은 전체 포스터가 말하고자 하는 바를 파악할 수 있을 만큼 충분히 오랫동안 청중의 주의를 사로잡는 것이었습니다.

2. 옵아트와 팝아트 운동의 영향

1. 옵아트:

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옵아트는 옵티컬 아트의 줄임말입니다. 보는 사람에게 착시 현상을 일으키는 데 도움이 되는 기하학적 선, 모양 및 색상 병치에 의존하는 추상화 스타일입니다. 이 예술 운동은 1960년대에도 상당한 인기를 얻었습니다. 이러한 예술은 일반적으로 격자, 패턴 및 축소 또는 곡선 개체와 같은 효과를 특징으로 합니다. 이 운동은 다양한 영구 효과를 이해하는 데 관심이 있는 예술가들이 주도했습니다.

팝은 예술보다는 대중 문화와 더 일찍 연관되었던 용어였습니다. 팝아트의 목적은 대중문화의 상류와 하류의 경계를 허무는 것이었다. 그것은 20세기 미국의 주요 예술 운동 중 하나였습니다. 이 용어는 1955년 영국에서 처음 사용되었습니다. 그러나 미국인들은 훨씬 더 우수한 확신과 효과로 소비주의적 대의를 받아들였습니다. 따라서 그들은 운동의 선구자로 간주되었습니다. 팝 아트와 대중 문화는 1950년대 후반과 1960년대에 진화한 매스 미디어 제품에 대해 이야기합니다. 전통문화와 현대문화의 경계를 허물기 위한 시도였다.

2. 팝 아트:

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팝 아트는 또한 엘리트주의 예술 문화와 그 주변의 일반적인 심각성에 대한 항의로 대중 문화 요소 중 일부를 강조했습니다. 이것은 날카로운 페인트 작업과 표현 예술의 귀환을 의미했습니다. 이것은 과소 평가 된 물건과 일반 비즈니스의 미화로 이어졌습니다. 이는 예술을 일상적인 사람들에게 보다 관련성 있고 의미 있게 만들고 대상 청중의 잠재 풀을 늘리기 위해 수행되었습니다. 이 두 움직임은 자연스럽게 사이키델릭한 디자인과 함께 어우러져 시각적 요소를 더했습니다.

이 사이키델릭 디자인 포스터의 사이키델릭 요소를 더 잘 이해하기 위해 가장 상징적인 사이키델릭 포스터 중 하나를 분석해 보겠습니다.

3. The Breakdown - 나선형 안경을 쓴 남자:

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Victor Moscoso가 이 포스터를 디자인했습니다. 위의 포스터를 보시면 아시겠지만 op와 팝적 무브먼트의 분명한 요소들과 지금까지 논의한 사이키델릭 디자인 특유의 디자인적 요소들이 있습니다. 이 이미지에는 배경으로 해당 원 안에 나선이 있는 원이 있습니다. 이미지 주위에 테두리가 있고 그 안에 텍스트도 있습니다. 그것은 또한 모자와 긴 머리를 가진 남자를 특징으로합니다. 남자의 가슴과 어깨에도 글이 있다. 이러한 포스터는 댄스 콘서트를 반영하는 데 사용할 수 있습니다. Moscoso는 주로 그 남자가 재미를 좋아하는 사람이라는 인식을 갖기를 원했습니다.

그는 이 재미를 좋아하는 남자와 밝은 배경을 짝지어 이 포스터가 눈에 띄고 올바른 타겟 청중에게 어필하는 데 도움이 되었습니다.

1. 여백: 배경 바깥쪽 원과 테두리 사이에도 여백을 두었습니다. 이는 원형 기하학의 주제를 유지하고 나선형 원에 의해 생성되는 환상을 사용하여 디자인을 더욱 향상시킬 수 있습니다.
2. 클러스터링: 그는 또한 클러스터링을 사용하여 배경, 남자 및 남자의 텍스트를 서로의 위에 레이어로 클러스터링하여 작품의 중앙에 배치했습니다. 이러한 요소를 함께 묶으면 진정한 사이키델릭 디자인 원칙에 충실한보다 압도적 인 이미지를 사용할 때 포스터가 더 바쁘게 보입니다.
3. 겹침: 이 포스터에 사용된 또 다른 중요한 디자인 요소는 겹침입니다. 남자는 배경 앞에 있고 텍스트는 남자 위에 있습니다. 눈은 배경에 사용된 패턴이 있는 원과 완벽하게 정렬되는 나선형 안경으로 볼 수 있습니다. 이것은 시각적 착시 효과를 만듭니다. 남자의 가슴에 적힌 글에는 콘서트에 관한 중요한 정보가 담겨 있다. 따라서 Moscoso는 다른 모든 레이어의 최상위 레이어에 유지하는 것을 분명히 했습니다.
4. 음수 공간: 배경의 원 사이의 공간은 원에 사용된 것과 동일한 빨간색으로 채워집니다. 이는 이미지를 바쁘고 밝게 보이게 하여 사이키델릭한 디자인을 강화하기 위한 것입니다.
5. 톤: 이 포스터는 또한 매우 밝고 생생한 빨강 및 파랑 색상을 사용합니다. 이것은 포스터가 다른 포스터와 구별되는 데 도움이 됩니다. 그것은 사이키델릭 디자인의 가장 두드러진 디자인 측면 중 하나입니다.

전반적으로 Moscoso의 포스터는 사이키델릭한 시각 디자인이 어떤 모습인지를 환상적으로 표현한 것입니다. 특히 하나 이상의 레이어에서 배경을 통해 착시를 만드는 아이디어는 환상적인 터치입니다. 포스터만 봐도 댄스콘서트를 하고 싶어질 정도로 고혹적이다.

결론:

이것은 사이키델릭 디자인과 그것이 제공하는 모든 것의 역사이자 관련성이었습니다. 사이키델릭 디자인은 일반적으로 마약을 좋아하고 세계관이 왜곡된 사람들이 사용하는 예술 스타일로 간주됩니다. 이 오해는 매우 잘못된 것입니다. 그것은 아르누보, 초현실주의 등과 같은 다른 중요한 예술 운동을 기반으로 한 운동이었습니다. 1960년대의 산업화, 기술화 시대에 반대하는 대의와 항의의 형태로 진정한 예술을 살리기 위한 것이었다. 사이키델릭 디자인의 장점을 최대한 활용하기 위해 음악 포스터, 벽 그래피티 및 웹사이트 디자인에 사이키델릭 디자인을 통합할 수 있습니다.