팝 아트에 대해 몰랐던 20가지

50년대 팝아트 운동의 도래는 부자들만에게 깊은 인상을 준 것이 아닙니다. 문화를 바꿨습니다. 매우 상징적이고 심오한 이 무브먼트의 영감과 의미는 오늘날까지도 여전히 등장하고, 연구되고, 생산되고 있습니다.

이 기사에서 우리는 팝 아트의 부상을 둘러싼 몇 가지 역사와 세부 사항을 공유할 뿐만 아니라 그 운동이 수년에 걸쳐 생산한 더 흥미로운 작품에 주의를 기울입니다. 이전에 팝 아트에 노출된 적이 없다면 경고: 팝 아트의 영향이 다음 몇 가지 디자인에 스며들 수 있습니다.

1. 팝 아트는 현대 시대의 가장 "대중적인" 예술 운동 중 하나입니다. 팝아트 운동은 가식적이고 지나치게 강렬하다고 여겨졌던 추상표현주의자들에 대한 반란으로 시작되었다.

골드 마릴린 먼로 (1962)

2. 팝아트는 일상생활의 물질적 현실로의 회귀를 반영한 ​​예술형식이다. 사실 대중문화로의 회귀를 의미하기 때문에 '팝'이라는 이름이 붙었다. 이 예술은 텔레비전, 잡지 및 만화와 같은 시각적 활동과 사람들의 즐거움에서 스타일을 파생합니다.

팝아트 운동의 시작

3. 팝아트 운동의 "출생지"는 1950년대 중반 영국이었지만 1950년대 후반까지 미국에 존재했습니다. 그 목적은 전통에 도전하는 것이었으며 대중 문화에서 대중 매체의 시각적 요소가 순수 예술로 간주 될 수 있다고 가정했습니다.

4. 팝 아트는 맥락에서 자료를 추출하고 이를 격리하거나 다른 주제와 연관시켜 묵상하는 데 의존합니다.

비키(1964) - 로이 리히텐슈타인

5. 팝아트는 50~60년대의 팝 음악 현상과 겹쳤고, 런던의 휘황찬란하고 패셔너블한 이미지와 밀접한 관련이 있다. 예를 들어 Peter Blake는 Beatles와 Elvis Presley의 표지 디자인을 만들었습니다.

뿐만 아니라 Andy Warhol이 Marilyn Monroe를 모델로 삼았던 것처럼 Brigitte Bardot와 같은 여배우를 작품에 포함시켰습니다.

영국 팝 아트 대 미국 팝 아트

6. 보다 지시적이고 주관적인 잉글리시 팝에 비해 아메리칸 팝 아트는 상징적이고 익명적이며 공격적인 것으로 간주되었습니다. 영국 팝 아티스트가 고려한 주요 개념은 주제 또는 은유였습니다.

한편 앤디 워홀의 좌우명은 “모든 사람은 기계가 되어야 한다고 생각한다”였다. 결과적으로 그는 자신의 예술을 기계로 만든 것처럼 보이게 하려고 했습니다.

재키 (1964) - 앤디 워홀

7. The Independent Group(IG)은 1952년 런던에 나타났습니다. 대부분의 사람들이 팝 아트 운동의 선구자로 간주합니다. IG의 첫 번째 회의에서 그룹을 공동 설립한 예술가이자 조각가인 Eduardo Paolozzi는 Bunk! 그는 1947년에서 1949년 사이에 파리에서 그것들을 만들었습니다.

이 콜라주는 광고, 만화책 캐릭터, 잡지 표지 및 기타 미국 문화를 대표하는 대량 생산 그래픽 작품과 같은 "발견된" 오브제로 구성되었습니다. 실제로 "팝"이라는 단어를 포함하는 첫 번째 작품은 I was the Rich Man's Plaything(1947)이라는 콜라주 Paolozzi였습니다. 여기서 "팝"이라는 단어가 쓰여진 리볼버에서 연기 구름이 피어오르는 것처럼 보였습니다.

나는 부자였다(1947) - 에두아르도 파올로치

멜로디가 나의 몽상을 사냥하다 - 로이 리히텐슈타인

8. 미국의 팝 아티스트들은 미국 사회와 문화를 대표하는 끝없는 시각적 요소를 복제, 복제, 오버레이, 결합 및 배열했습니다. 미국의 가장 유명한 팝 아티스트 중 한 명인 Andy Warhol은 영화 배우에 진정한 관심을 보였습니다. 1962년 그의 열정은 마릴린 먼로를 묘사한 작품에 반영되었습니다.

9. 앤디 워홀(Andy Warhol)은 "미래에는 모든 사람이 15분 동안 유명해질 것"이라는 유명한 인용문에서 팝 운동과 미디어의 역할을 요약했습니다. 헐리우드, 잡지, 텔레비전, 신문은 매일 새로운 이미지를 만들어내고 대중문화를 확대하고 있습니다. 우리를 둘러싼 모든 것은 바로 소비할 준비가 된 이미지입니다.

팝아트의 특징

10. 팝 아트 운동은 대중 대중 문화에서 끌어온 주제와 기법으로 정의됩니다. 광고, 평범한 문화재 및 만화책과 같은 영역. 이 예술 운동은 추상 표현주의 아이디어에 대한 반응으로 간주됩니다. 팝 아트는 일반적으로 아이러니를 사용하여 모든 문화의 진부한 요소를 강조하면서 예술에 대중 문화의 이미지를 사용했습니다.

풍경 속의 인물들(1977) – 로이 리히텐슈타인

11. 팝아트 아티스트들이 주로 사용하는 색상은 노랑, 빨강, 파랑입니다. 사용된 색상은 선명했습니다. 다른 예술 운동과 달리 팝 아트의 색상은 세계에 대한 예술가의 내면 감각을 반영하지 않습니다. 대신 이러한 색상은 대중 문화를 나타냅니다. 미국 예술가 Andy Warhol이 대량 생산에 사용되는 널리 사용되는 기술인 실크스크린 인쇄와 같은 기술을 실험하도록 영감을 준 문화입니다.

12. Roy Lichtenstein은 연재 만화의 시각적 언어를 기반으로 스타일을 개발했습니다. 이 스타일의 주요 특징은 대담한 색상, 검은색 윤곽선 및 Ben-day 점으로 렌더링된 톤이었습니다. 1950년대와 1960년대에 만화책의 색조를 인쇄하는 방법이었습니다.

13. 팝아트 작품의 특징은 대중문화에서 볼 수 있는 상징, 사람, 사물에 대한 명확한 선과 표현, 그리고 날카로운 도색이다. 팝아트 운동은 소비주의와 대중문화에 대한 존경심으로 다다운동(반전 정치에 집중하고 반예술 문화 작품을 창작함으로써 예술의 일반적인 기준을 거부하는 운동)의 파괴적이고 풍자적이며 무정부적 요소를 대체했습니다.

오늘날의 가정을 그토록 독특하고 매력적으로 만드는 것은 무엇입니까? (1956) - 리처드 해밀턴

14. 팝 아트 운동 동안 예술가들은 사물을 거대한 비율로 확대하여 풍자하는 것을 즐겼습니다. 음식은 팝 운동의 일반적인 주제였으며 의자와 화장실과 같은 가정 용품은 일반적으로 재료가 아닌 플라스틱으로 만들어졌습니다. 예를 들어, Claes Oldenburg의 부드러운 변기.

패키지 디자인의 팝아트

15. 팝아트 운동 중에는 팝 아티스트가 선택한 이미지 내에서 로고와 제품 라벨을 볼 수 있었습니다. 예를 들어 Andy Warhol의 Campbell's Soup Cans 레이블. 또한 소매 품목이 포함된 배송 보드에서 발견된 라벨은 팝 아트에 대한 영감으로 사용되었습니다. Andy Warhol의 Campbell의 Tomato Juice Box나 Brillo Soap Box 조각품을 예로 들어 보겠습니다.

캠벨 수프(1968) - 앤디 워홀

캠벨의 토마토 주스 상자(1964) - 앤디 워홀

현대 그래픽 디자인에서 팝 아트의 영향

16. 뉴욕 팝 인터내셔널 갤러리(Pop International Galleries)의 공동 소유주인 제프 제프(Jeff Jaffe)는 “팝 아트는 그 어느 때보다 강력하다”고 말했다. 물론 미술품 판매상, 수집가, 출판사, 경매소가 그와 동의합니다. 그들은 모두 팝 스타일로 작업하고 일반적으로 예술 시장에서 매우 성공적인 Clemens Briels, Romero Britto, James Rizzi 및 Steve Kaufman과 같은 오늘날 예술의 가장 큰 이름을 지적합니다.

예술은 모든 사회에서 일어나는 일의 표현입니다. 1950년대 영국과 60년대 미국에서 예술은 광고, 소비, 텔레비전, 만화, 패션의 혼돈이었습니다. 팝아트 운동에서 예술은 그 어느 때보다 스스로를 재창조했다고 말할 수 있습니다. 팝 아트가 오늘날에도 여전히 높이 평가되는 우리 문화에 많은 영향을 미쳤습니다.

E-620 베스파 GS – 오스카 스패너

팝 아트는 큰 돈을 위해 판매되는 원본 작품에 대해 이야기하든, 대량으로 판매되는 판화에 대해 이야기하든 오늘날까지도 계속해서 성공을 거두고 있습니다. 팝아트가 단순한 진술 이상이라는 것이 분명해졌으며 이를 무시하기 어렵습니다. 어디를 가든지 볼 수 있습니다. 그것은 1950년대에 처음 사용되었던 것처럼 공공 장소와 심지어 광고에도 있습니다.

17. 이름에서 알 수 있듯 팝아트는 꽤 유명하다. 뉴욕 뮤지엄 에디션의 비즈니스 업무 책임자인 Julie Maner는 “모든 예술은 감정적 차원에서 사람들에게 호소하지만 팝 아트는 경험적 차원에서 경험됩니다. 그것은 우리의 일상에서 옵니다.”

이 말을 통해 Maner는 아티스트 Gloria Lee가 만든 "Pop Dog" 시리즈를 언급합니다. "Pop Dogs"는 물론 전기 팝 색상으로 만들어진 25개의 다른 개 품종을 특징으로 합니다. 이러한 유형의 팝 아트 프린트는 단순히 화려하고 기발하기 때문에 아트 숍의 창에 표시됩니다.

18. 팝 아트 기능은 오늘날에도 여전히 인쇄 디자인에 사용되어 다채로운 생일 카드, 티셔츠 디자인, 배지, 달력, 포스터, 캔버스를 만들기 때문에 무시하기가 정말 어렵습니다. 이 미술 운동의 특징, 특히 밝은 색상과 점은 결코 퇴색되지 않았습니다. 이 대중적인 예술 형식은 오늘날까지 계속해서 문화를 매료시키고 있습니다.

19. 팝아트가 등장한 지 47년이 지난 지금도 어떻게 그토록 강력한 존재감을 갖고 있는지 궁금해 하는 사람들이 있을 것이다. 정답은 팝아트가 수년간 수많은 지지자들을 모았고, 엄청난 투자로 밝혀졌다는 것이다. 다른 사람들은 패션이 초기 몇 년으로 되돌아가는 시기가 있다고 말했고, 그것이 팝 아트에서 일어난 일입니다. 미국인들에게 익숙한 것들에 대한 위로가 필요해서 돌아왔다는 가설이 있다.

Julie Maner는 팝 장르의 예술은 항상 변하고 있다고 말합니다. 그것은 다른 예술 형식이 하지 않는 방식으로 사회와 시대를 따라갑니다. Crown Thorn Publishing의 Ruth-Ann은 팝 아트의 가장 큰 장점은 그것이 다문화적이라는 점이라고 말했습니다. 그것은 정치적인 발언을 하는 것이 아니며, 예술에 겁을 먹을 수 있는 누구에게나 최고의 예술 형식 중 하나입니다. 전쟁, 반전 시위, 공격 위협 및 핵폭탄에 대한 공포는 1950년대와 마찬가지로 오늘날에도 현실입니다.

20. 팝 아트는 오늘날에도 여전히 예술가들에게 영감을 줍니다. 웹 디자인, 그래픽 디자인 또는 기타 크리에이티브 분야에 대해 이야기하든지 팝 아트 운동의 많은 기능을 오늘날의 작업에서 인식할 수 있습니다. 의심할 여지 없이 Andy Warhol과 Roy Lichtenstein의 작품은 가장 존경받는 작품 중 하나이며 많은 현대 미술 작품에 영감을 주었습니다.

오늘날 디자이너들은 강력한 다중 색상, 점선 이미지, 하나의 인쇄물로 일련의 이미지, 텔레비전, 라디오, 카메라와 같은 가정용 유틸리티 및 유명인의 얼굴과 같은 기능을 사용하여 멋진 인쇄물, 디지털 일러스트레이션, 포스터 등을 만듭니다. (오바마와 다른 사람들의 그래픽 디자인 프린트 참조).