20 Dinge, die Sie nicht über Pop Art wussten

Das Aufkommen der Pop-Art-Bewegung in den 50er Jahren beeindruckte nicht nur die Reichen; es veränderte die Kultur. Die Inspirationen und Bedeutungen hinter dieser Bewegung waren so ikonisch und tiefgreifend, dass sie bis heute vorgestellt, studiert und produziert wird.

In diesem Artikel teilen wir einige der Geschichte und Details rund um den Aufstieg der Pop Art und machen auf einige der interessanteren Stücke aufmerksam, die die Bewegung im Laufe der Jahre hervorgebracht hat. Wenn Sie noch nie zuvor mit Pop-Art in Berührung gekommen sind, seien Sie gewarnt: Pop-Art-Einflüsse können sich in Ihre nächsten Designs einschleichen.

1. Pop Art ist eine der „beliebtesten“ Kunstbewegungen der Moderne. Die Pop-Art-Bewegung begann als Rebellion gegen die Abstrakten Expressionisten, die als anmaßend und übertrieben galten.

Goldene Marilyn Monroe (1962)

2. Pop Art ist eine Kunstform, die eine Rückkehr zu materiellen Realitäten des Alltags der Menschen widerspiegelt. Es bedeutet eigentlich die Rückkehr zur Populärkultur, daher der Name „Pop“. Diese Kunst bezieht ihren Stil aus den visuellen Aktivitäten und Freuden der Menschen: Fernsehen, Zeitschriften und Comics.

Die Anfänge der Pop-Art-Bewegung

3. Der „Geburtsort“ der Pop-Art-Bewegung war Mitte der 1950er Jahre Großbritannien, war aber Ende der 1950er Jahre in den Vereinigten Staaten präsent. Der Zweck war, die Tradition herauszufordern und ging davon aus, dass die visuellen Elemente der Massenmedien aus der Populärkultur als bildende Kunst angesehen werden können.

4. Pop-Art beruht darauf, Material aus seinem Kontext zu extrahieren und es zu isolieren oder es mit anderen Themen zur Betrachtung zu verbinden.

Viki (1964) – Roy Lichtenstein

5. Pop Art fiel mit dem Popmusik-Phänomen der 50er und 60er Jahre zusammen und wird stark mit dem swingenden und modischen Image Londons in Verbindung gebracht. Zum Beispiel entwarf Peter Blake die Cover-Designs für die Beatles und Elvis Presley.

Mehr noch, er bezog Schauspielerinnen wie Brigitte Bardot in seine Arbeiten ein, ähnlich wie Andy Warhol Marilyn Monroe als Modell benutzte.

Britische Pop-Art vs. amerikanische Pop-Art

6. Im Vergleich zum englischen Pop, der eher referentiell und subjektiv war, galt die amerikanische Pop-Art als emblematisch, anonym und aggressiv. Das Hauptkonzept der englischen Popkünstler war Thema oder Metapher.

Andererseits lautete das Motto von Andy Warhol: „Ich denke, jeder sollte eine Maschine sein.“ Infolgedessen versuchte er, seine Kunst so aussehen zu lassen, als wäre sie von einer Maschine geschaffen worden.

Jackie (1964) – Andy Warhol

7. Die Independent Group (IG) erschien 1952 in London. Sie wird von den meisten als Vorläufer der Pop-Art-Bewegung angesehen. Während des ersten Treffens der IG stellte Eduardo Paolozzi, ein Künstler und Bildhauer, der die Gruppe mitbegründete, eine Reihe von Collagen mit dem Titel Bunk! Er schuf sie zwischen 1947 – 1949 in Paris.

Diese Collagen bestanden aus „gefundenen“ Objekten wie Werbung, Comicfiguren, Titelseiten von Zeitschriften und anderen massenproduzierten grafischen Werken, die die amerikanische Kultur repräsentierten. Das erste Kunstwerk, das tatsächlich das Wort „Pop“ enthielt, war eine Collage von Paolozzi mit dem Titel I was a Rich Man's Plaything (1947) – in der eine Rauchwolke auftauchte, die aus einem Revolver aufstieg, auf dem das Wort „Pop“ stand.

Ich war das Spielzeug eines reichen Mannes (1947) – Eduardo Paolozzi

Die Melodie jagt meine Träumerei – Roy Lichtenstein

8. Pop-Künstler aus den Vereinigten Staaten duplizierten, reproduzierten, überlagerten, kombinierten und arrangierten endlose visuelle Elemente, die die amerikanische Gesellschaft und Kultur repräsentierten. Andy Warhol, einer der berühmtesten amerikanischen Pop-Künstler, hatte ein echtes Interesse an Filmstars. 1962 spiegelte sich seine Leidenschaft in seinen Werken wider, in denen er Marilyn Monroe porträtierte.

9. Andy Warhol fasste die Popbewegung und die Rolle der Medien in diesem berühmten Zitat zusammen: „In der Zukunft wird jeder für fünfzehn Minuten berühmt sein.“ Hollywood, Zeitschriften, Fernsehen und Zeitungen produzieren täglich neue Bilder und erweitern die Populärkultur. Alles, was uns umgibt, sind Bilder, die bereit sind, konsumiert zu werden.

Merkmale der Pop-Art

10. Die Pop-Art-Bewegung wird durch Themen und Techniken definiert, die aus der populären Massenkultur stammen. Bereiche wie Werbung, profane Kulturgüter und Comics. Diese Kunstrichtung gilt als Reaktion auf die Ideen des abstrakten Expressionismus. Pop Art verwendete Bilder der Populärkultur in der Kunst und betonte banale Elemente jeder Kultur, normalerweise durch den Einsatz von Ironie.

Figuren in Landschaft (1977) – Roy Lichtenstein

11. Die vorherrschenden Farben der Pop-Art-Künstler sind Gelb, Rot und Blau. Die verwendeten Farben waren lebendig. Im Gegensatz zu anderen Kunstströmungen spiegeln die Farben der Pop Art nicht das innere Weltgefühl der Künstler wider. Stattdessen beziehen sich diese Farben auf die Populärkultur. Die Kultur, die den amerikanischen Künstler Andy Warhol dazu inspirierte, mit Techniken wie dem Siebdruck zu experimentieren, der eine weit verbreitete Technik für die Massenproduktion war.

12. Roy Lichtenstein entwickelte einen Stil, der auf der visuellen Umgangssprache des Comics basiert. Die Hauptmerkmale dieses Stils waren kräftige Farben, schwarze Umrisse und Töne, die durch Ben-Day-Punkte wiedergegeben wurden. Dies waren die Methoden zum Drucken von Tönen in Comics in den 1950er und 1960er Jahren.

13. Die Merkmale von Pop-Art-Kunstwerken waren klare Linien und Darstellungen von Symbolen, Personen und Objekten, die in der Pop-Kultur zu finden sind, und scharfe Farbgebung. Die Pop-Art-Bewegung ersetzte die destruktiven, satirischen und anarchischen Elemente der Dada-Bewegung (eine Bewegung, die sich auf Antikriegspolitik konzentrierte und die vorherrschenden Standards in der Kunst ablehnte, indem sie anti-kunstkulturelle Werke schuf) durch eine Ehrfurcht vor Konsum und Massenkultur.

Nur was macht das Zuhause von heute so anders, so attraktiv? (1956) – Richard Hamilton

14. Während der Pop-Art-Bewegung genossen Künstler es, Objekte zu verspotten, indem sie diese Objekte auf massive Proportionen vergrößerten. Essen war ein häufiges Thema in der Popbewegung, ebenso wie Haushaltsgegenstände wie Stühle und Toiletten, die aus matschigem Plastik statt aus den Materialien, aus denen sie normalerweise bestehen, bestehen. Zum Beispiel die Soft Toilet von Claes Oldenburg.

Pop-Art im Verpackungsdesign

15. Während der Pop-Art-Bewegung konnte man Logos und Produktetiketten in Bildern sehen, die von Pop-Künstlern ausgewählt wurden. Campbell's Soup Cans Labels von Andy Warhol zum Beispiel. Darüber hinaus wurde die Etikettierung auf dem Versandkarton, der Einzelhandelsartikel enthielt, als Inspiration für die Pop-Art verwendet. Nehmen Sie zum Beispiel Campbells Tomato Juice Box oder die Brillo Soap Box-Skulptur, beide von Andy Warhol.

Campbells Suppe (1968) – Andy Warhol

Campbells Tomatensaftbox (1964) – Andy Warhol

Der Einfluss der Pop Art im zeitgenössischen Grafikdesign

16. Der Miteigentümer der Pop International Galleries in New York, Jeff Jaffe, sagte, dass „Pop Art stärker denn je ist“. Natürlich stimmen ihm Kunsthändler, Sammler, Verleger und Auktionshäuser zu. Sie alle weisen auf einige der größten Namen der heutigen Kunst hin: unter anderem Clemens Briels, Romero Britto, James Rizzi und Steve Kaufman, die alle im Pop-Stil arbeiten und normalerweise sehr erfolgreich auf dem Kunstmarkt sind.

Kunst ist Ausdruck dessen, was in jeder Gesellschaft vor sich geht. Im England der 1950er und den USA der 60er Jahre war Kunst ein Chaos aus Werbung, Konsum, Fernsehen, Comics und Mode. Wir können sagen, dass sich die Kunst in der Pop-Art-Bewegung mehr denn je neu erfunden hat. Sie hat unsere Kultur so sehr beeinflusst, dass die Pop-Art auch heute noch hoch geschätzt wird.

E-620 Vespa GS – Oscar Spanner

Pop Art wird bis heute als Erfolg gefeiert, egal ob es sich um Originale handelt, die für viel Geld verkauft werden, oder um Drucke, die in großen Mengen verkauft werden. Es wurde deutlich, dass Pop-Art viel mehr als nur eine Aussage ist, und es ist schwer, sie zu ignorieren. Sie können es sehen, wohin Sie auch gehen. Es ist an öffentlichen Orten und sogar in der Werbung, wie es ursprünglich in den 1950er Jahren verwendet wurde.

17. Wie der Name schon sagt, ist Pop Art sehr beliebt. Julie Maner, Direktorin für Geschäftsangelegenheiten der Museum Editions in New York, sagte: „Alle Kunst spricht die Menschen auf einer emotionalen Ebene an, aber Pop Art wird auf einer erfahrungsmäßigen Ebene erlebt. Es kommt aus unserem täglichen Leben.“

Mit dieser Aussage bezieht sich Maner auf die Serie „Pop Dog“ – geschaffen von der Künstlerin Gloria Lee. „Pop Dogs“ bietet 25 verschiedene Hunderassen, natürlich in leuchtenden Pop-Farben. Diese Art von Pop-Art-Druck wird in den Schaufenstern von Kunstgeschäften einfach wegen ihrer Farbenpracht und Laune ausgestellt.

18. Pop-Art-Merkmale werden auch heute noch im Druckdesign verwendet, um farbenfrohe Geburtstagskarten, T-Shirt-Designs, Abzeichen, Kalender, Poster und Leinwände zu erstellen – es ist also wirklich schwer zu ignorieren. Die Merkmale dieser Kunstrichtung, insbesondere die leuchtenden Farben und die Punkte, verblassten nie. Diese beliebte Kunstform fasziniert die Kultur bis heute.

19. Einige Leute finden es vielleicht merkwürdig, wie stark die Pop Art auch 47 Jahre nach ihrem Erscheinen so stark präsent ist. Die Antwort ist, dass die Pop Art im Laufe der Jahre eine große Anzahl von Anhängern gewonnen hat und sich als eine großartige Investition herausgestellt hat. Andere Leute sagten nur, dass die Mode ihre Perioden hat, in denen sie in einige der frühen Jahre zurückkehrt, und das ist mit der Pop Art passiert. Es gibt eine Hypothese, dass es zurückkam, als die Amerikaner sich von vertrauten Dingen trösten ließen.

Julie Maner stellt fest, dass sich die Kunst im Pop-Genre ständig verändert. Sie hält mit der Gesellschaft und der Zeit auf eine Weise Schritt, wie es andere Kunstformen nicht tun. Ruth-Ann von Crown Thorn Publishing sagte, das Tolle an der Pop Art sei, dass sie kulturübergreifend ist. Es gibt kein politisches Statement ab und ist eine der besten Kunstformen für jeden, der von Kunst eingeschüchtert sein könnte. Krieg, Antikriegsproteste, Androhungen von Anschlägen und die Angst vor Atombomben sind heute genauso real wie in den 1950er Jahren.

20. Pop Art ist auch heute noch eine Inspiration für Künstler. Viele Merkmale aus der Pop-Art-Bewegung lassen sich in den heutigen Arbeiten wiedererkennen, egal ob es sich um Webdesign, Grafikdesign oder andere kreative Bereiche handelt. Ohne Zweifel gehören die Werke von Andy Warhol und Roy Lichtenstein zu den am meisten bewunderten und haben viele zeitgenössische Kunstwerke inspiriert.

Heute erstellen Designer coole Drucke, digitale Illustrationen, Poster – und so weiter – mit Merkmalen wie starken Mehrfachfarben, gepunkteten Bildern, Bildserien mit einem Druck, Haushaltsgeräten wie Fernsehen, Radio, Kamera und den Gesichtern berühmter Persönlichkeiten. (Siehe die Grafikdesign-Drucke von Obama und anderen).